José Cori (Friburgo, 1989) es un artista visual cuyo uso de colores saturados y vibrantes son parte de su sensibilidad artística, la cual alude a relatos figurativos que, a veces, se cruzan con la abstracción. El trabajo de José Cori funciona como una puerta de entrada a sus imaginarios, a diferentes referencias a la Historia del Arte, y un cruce insistente entre lo cotidiano, lo simbólico y lo icónico.

Los principales materiales de su trabajo artístico son lápices a color, a los que les siguen una exploración de diferentes formas plásticas, tales como la cerámica, la pintura y los pasteles al óleo. Sean cual fueren sus herramientas, las obras del artista se nos presentan como una experiencia estética por completo colorida y vibrante. En ellas se aprecian influencias que recorren a Matisse, Hockney y Vuillard, transitando además por el renacimiento temprano, la pintura medieval y la poesía.

Por medio de siluetas sugerentes, José Cori crea escenas donde la continuidad de los colores da fluidez a nuestra imaginación. Los relatos que sugieren sus obras nos transportan a un espacio donde la complacencia de los sentidos se mezcla con una forma de ensoñación acerca de lo que vemos. Nos sumerge en la “segunda naturaleza” del arte para hacernos reflexionar acerca de lo que las cosas no son, pero podrían ser.

Al involucrarnos en este profundo viaje a través de sus dibujos, podemos intuir que la sensibilidad artística de José Cori se encuentra más allá de la evocación literal de las cosas. Somos capturados por sus imágenes, las cuales nos sugieren una manera más pura e ingenua de mirar. Es así como, en palabras del artista, “la imagen se convierte en un acceso al mundo” donde se nos devela el valor creativo de lo poético.​​

Cuéntanos un poco de ti y la razón por la que decidiste ser artista.
Como les pasa a muchos y muchas artistas, desde chico tuve una inclinación por las humanidades y un rechazo profundo hacia las matemáticas. Desde que estaba en el colegio me empecé a interesar también por la poesía, la que fue quizás el primer hallazgo artístico que me influyó de manera potente. Cuando llegó el momento de decidir qué estudiar, descubrí que me interesaba hacer algo más creativo que investigativo, como podría ser la literatura, la filosofía o psicología. Sentí que el camino del arte me daría la libertad de aprender y hacer lo que yo quisiera, y no algo impuesto “desde afuera”.

Describe tu estilo artístico en tres palabras o conceptos.
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¿Cuáles son los imaginarios a los que aludes en tus obras?
Mi ímpetu está en crear imágenes en que se presente una forma de ser y de ver. Hacer arte en este sentido es una cuestión existencial, una puesta en escena de la subjetividad. Por lo general, en las escenas que construyo predomina un sentido de lo gratuito, esa esfera de la realidad en que la imaginación está a sus anchas. En ello colindan lo absurdo, lo religioso, el humor, el ocio, etc., que me sirven de puentes para un potencial simbólico. La imagen final es idealmente una armonía que se construye a partir de todas esas tensiones.

Cuéntanos sobre la serie Rainbows. ¿Qué inspiración u observaciones dan inicio a esas piezas?
Me gustan mucho esas piezas porque, por un lado, tienen un tamaño más grande y, por otro, creo que logré llegar a un punto medio entre la figuración y la abstracción. En esa serie quería llegar a esa frontera, eliminar las acciones más anecdóticas y figurativas para acceder a algo más formal y abstracto, pero que, a su vez, sostuviera el mínimo de algo que podría ser un elemento: un arcoíris, un portal o un paisaje.

La figuración y abstracción son aspectos que se pueden apreciar en la estética de tu trabajo. Háblanos sobre esa perspectiva o cosmovisión. 
Creo que la pintura contemporánea se caracteriza por esforzarse en esa dialéctica, en una configuración más patente entre lo abstracto y lo figurativo. Desde el siglo XX en adelante, la abstracción le entrega a la pintura una nueva “conciencia de sí misma”, una “conciencia de su propia práctica”, es decir, como casi toda forma del lenguaje desde la Modernidad, contiene en sí su propia crítica. En mi caso particular, uso la abstracción como medio evocativo, como medio hacia esa ambigüedad sugerente. En la serie “Rainbows”, o “Arcos de lluvia”, como les digo, quise acercarme a eso. La abstracción pura para mí no es una posibilidad, porque necesito la delimitación que me propone la figuración: un “rayado de cancha” por donde la imagen se guía.

Las citas a la historia del arte en tus cuadros son como si nos la contaras a través de una sensibilidad única. ¿Cómo llegas a esas referencias?
A pesar de dibujar, todos mis referentes provienen de la historia de la pintura. La mitad de mi tiempo lo paso viendo pinturas, tanto de la historia como de mis coetáneos. De allí provienen las citas pictóricas, de lugares que me han interesado.

¿Cómo defines tu paleta de colores al momento de comenzar una obra?
En general es muy intuitivo, no programo a priori una paleta, sino que la voy descubriendo en la medida en que voy avanzando. Aun así, se puede hablar de una paleta en cada trabajo, ya que existe una composición específica de correlación cromática. A veces, empiezo por una parte donde sé que voy a usar un color específico, y a partir de eso se configuran los demás colores que irán alrededor, considerando temperaturas o si quiero que la imagen sea diurna o nocturna, por ejemplo. Respecto a los materiales, utilizo lápices de colores principalmente. Me gusta su precisión y la saturación del pigmento al que llegan.

¿Existen otras formas plásticas que te gustaría explorar?
Estoy explorando la cerámica, pasteles y barras al óleo. La aplicación de los medios de la pintura tradicional y lo que implica esa forma de pintar me impacienta.

¿Qué artistas contemporáneos o de la historia del arte influencian tu trabajo?
Bob Thompson, Tal R, Andrew Cranston, Karin Mamma Anderson, Raoul de Keyser, Lois Dodd, Danny Fox, Peter Doig, Florian Krewer, Picasso, Henri Matisse, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard. Además, me interesa harto la pintura del renacimiento temprano y la pintura medieval.

¿Qué observación buscas entregar a quienes siguen tu trabajo?
La pregunta es compleja, porque su respuesta implica una teoría del arte. O bien, toda respuesta a la pregunta es de alguna manera tautológica, porque lo que se busca entregar es justamente una observación: algo que nos es común a todos, visto desde una perspectiva particular. Pero puedo decir, en ese sentido, que me alineo con la idea de Jean-Luc Nancy cuando señala que “La técnica poiética se esfuerza por […] poner en el mundo lo que está fuera del mundo".

¿Cómo influye la poesía en tu obra?
La poesía me ha influido muchísimo, pero es más propio decir que ha influido en mi persona, más que en mi obra. Lo que me interesa de la poesía, su cualidad, la efectividad de sus imágenes, es lo que busco hacer de otra manera, por medio de imágenes visuales. Se trata de participar en ese mismo espíritu creativo.

¿Qué opinas de la escena artística chilena actual?
Creo que la escena en Chile es bastante sólida. Hay artistas de toda índole que trabajan a un alto nivel. Lo que escasea, a mí parecer, es una amplitud de medios críticos, infraestructurales y financieros para sustentar y consolidar esa escena.

por Viviana Román Lema

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